“제가 인생에서 제일 잘한 일이 두 가지가 있어요. 하나는 이혼 그리고 하나는 뉴욕에 진출한 거예요.”

경운박물관에서 열리는 <노라 노 Nora Noh: First & Forever> 전시장 가장 안쪽에 백수(白壽)를 앞두고 있는 패션 디자이너의 최근 목소리를 담은 쇼트 다큐멘터리 필름이 상영되고 있다. 올 초 <보그> 인터뷰 당시 모습이다. 당시로선 매섭게 금기시되던 이혼으로 독립의 길을 찾을 수밖에 없었고 그것이 패션 디자이너로 살게끔 이끌었으니 아흔아홉의 그녀가 되돌아보기에 가장 잘한 일이 되었다는 이야기가 지난 인터뷰 기사에 자세히 소개되었다. 1928년생, 한국 현대사 속에서 섬유와 패션에 인생을 건 여정을 담담하고 우아하게 회고하는 그녀의 마지막 말이 가슴을 울린다.

<노라 노 Nora Noh: First & Forever> 관람객을 맨 처음 맞이하는 장면은 노라노의 이름을 서울 사교계 부인들에게 알린 ‘아리랑 드레스’와 타자기다. 당시 양장보다는 한복에 익숙하지만 한복이 사교 파티에는 어울리지 않아 고민이 많던 부인들에게 전통 삼회장저고리를 변형해 한복의 감성을 지니면서도 이브닝 드레스 역할을 하는 디자인은 큰 인기를 끌었다. 타자기는 이혼 후 취직을 위해 타자기를 다루는 법을 치열하게 배운 자립 여성으로서 그녀의 첫 행보를 상징한다.

1950년대부터 노라 노는 대한민국 유행을 이끄는 여성 문화의 선구자였다. 패션을 문화로 일상 속에서 향유하는 모습을 보고 유럽에서 귀국해 1956년 반도호텔에서 대한민국 최초의 패션쇼를 개최했다. 친한 배우와 고객에게 워킹과 포즈를 가르쳐 무대에 올렸을 때 관람객 중에는 노래와 춤을 보여주는 ‘쇼’인 줄 알고 온 이들도 많았다. 두 번째는 반도호텔 옥상에서 야외 패션쇼를 열었다. 노라 노는 대중의 눈앞에서 패션을 예술 무대로 끌어올렸고, 옷을 입는 즐거움을 시각적 퍼포먼스로 격상시켰다.

전시에는 한 사람의 결정과 용기, 시대의 눈빛이 깃들어 있다. “나는 옷을 하면서 우리나라 여성들이 깨어나길 바랐어요.” 전시장 벽에 흘러가는 문장처럼 옷은 누군가의 다짐을 조용히 북돋우고, 또 다른 누군가의 길을 비춘다. 노라노의 드레스는 무대 위에서 더 크고 당당해 보이려 원했고, 또 어떤 드레스는 소박한 결혼식의 기도를 담아 조용히 빛난다. 1968년 배우 윤소정의 웨딩드레스. 레이스와 새틴, 한 땀 한 땀 수놓인 자수가 시간이 된 지금, 당신 앞에 놓인다. 작고 섬세한 꽃무늬는 먼 과거의 결혼식 홀과 무대의 스포트라이트를 동시에 불러오고, 베일 끝자락에 맺힌 스티치는 축복과 긴 기다림의 모양을 닮아 반짝이는 듯하다. 1959년 영화 <춘희>에서 배우 최은희가 입은 투피스의 선은 영화 속 한 장면처럼 기억에 남고, 허리는 꼭 맞고 스커트는 크게 부풀린 하이 웨이스트 플레어 스커트는 걸음마다 여성성의 리듬을 만들었다. 그녀 자신이 표현했듯 ‘건달 정신’이라 불러도 좋을 그 기개는 실패에도 다시 옷을 맞춰 입게 하는 일종의 축복이다.

이렇듯 전시는 전통적 요소의 재해석, 공연·대중문화의 결합, 제조 기술과 수출 전략, 브랜드화와 개인사 회고라는 네 축을 중심으로 구성됐다. 이를 통해 관람객은 한 디자이너의 미학적 실험이 어떻게 시대적 맥락 속에서 확장되고 기억으로 자리했는지 한눈에 파악할 수 있다. 한복의 선과 색에서 출발해 무대 미학과 산업적 실험을 거쳐 브랜드 정체성과 개인적 회고로 수렴하는 서사를 따라 11개 섹션으로 이루어지는데 초반부는 전시 기조를 알리는 ‘시대를 뛰어넘은 노라’와 한복 요소를 현대적 드레스로 재해석한 ‘아리랑 드레스 / 패션쇼·기성복’으로 관람객을 맞는다. 해당 섹션은 전통적 미감이 일상복과 무대의상으로 어떻게 전환되었는지 명확히 보여준다.

중반부에서는 영화와 공연을 매개로 한 영향력을 다룬 ‘영화 속으로(On Screen)’와 ‘무대 위에서(On Stage)’가 자리한다. 스크린과 무대에서 소비된 의상을 통해 노라의 디자인이 대중문화에 끼친 영향이 드러난다. 이어 ‘엔지니어드 프린트(Engineered Prints)’ 섹션에서는 1970년대 수출을 겨냥한 프린트 기술과 패턴 실험을 통해 산업적 접근과 미적 변주를 소개한다.

1957년 멜턴 원단으로 제작된 우아한 플레어 라인의 코트.

1974년 제작된 엔지니어드 프린트 셔츠 드레스.

전시 후반부는 디자이너의 국제적 활동과 브랜드 역사, 개인적 서사를 조망한다. ‘월드 클래스 디자이너’는 해외 무대와 시장에서의 성취를, ‘코트 연대기(Coat Chronicles)’는 기술적 완성도를, ‘라벨 아카이브(Label Archives)’는 브랜드 아이덴티티의 변천을 각각 다룬다. 또한 ‘특별한 날의 노라(For the Special Moments)’는 맞춤 제작 의상의 감성적 가치를 강조하며, ‘노라를 사랑한 사람들(Threads of Memory)’은 고객과 협업자들의 증언을 통해 작품의 사회적 기억을 복원한다.

“전시 준비로 선생님의 아카이브를 열어 하나하나 꺼내 매만지면서 바느질 솔기가 어떻게 되어 있는지, 안에 심지는 어떤 걸 썼는지 절절히 그 안에 담긴 노력과 실력에 감탄했어요. 전시에는 그중에서도 보석 같은 작품만 뽑았어요.” 전시를 디렉팅한 스타일리스트 서영희의 이야기대로 전시장을 천천히 걷노라면 시간의 옷장이 열리는 기분이 든다. 고요한 전시장 사이로 걸음을 옮길 때마다 실루엣이 속삭이고 조명은 은은하게 직물을 어루만진다. 마네킹들은 무대 없는 연극배우처럼 서서 노라노가 걸어온 시대의 몸짓과 욕망을 고요히 재현한다. 천과 땀과 손길이 남긴 흔적이 라벨 너머로 숨결을 전하면, 과거의 사적인 순간이 관람객의 발걸음에 은밀히 내려앉는다.

이번 전시는 패션이 단지 옷이 아니라 기억의 구조임을 알려준다. 접힌 주름 하나, 해진 가장자리 하나에도 삶의 시간이 스며 있고, 관람객은 그 시간을 잠시 빌려 입는 것이다.